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《賽德克》上映惹爭議 吳宇森贊原住民英雄觀

網易娛樂9月2日報導（文/3pinky） 導演魏德聖耗費三年與5.3億新臺幣完成了縈繞他心頭十幾年的《賽德克·巴萊》。影片昨夜已經在第68屆威尼斯電影節上映，計畫以《太陽旗》和《彩虹橋》上、下兩部在臺灣上映，電影節參賽版本則合併、並剪成150分鐘，即使是縮減版本，這個長度也夠得上“史詩”。但影片試映後，華語媒體對其表達的民族仇恨與歷史觀卻有不解。

魏德聖與製片人吳宇森偕同馬志翔、安藤政信、徐若瑄、溫嵐等主演抵達水城，他坦承片中涉及的“霧舍起義”和臺灣原住民的價值觀很難為外族理解，在發佈會上也表露自己的動機：“我覺得最難表現的是原住民對日本人愛恨交織的感情，我想用這部電影為臺灣人的心靈療傷。”

魏德勝要給臺灣人上歷史課 愛恨糾結最難拍

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《賽德克·巴萊》重現臺灣歷史上著名的“霧社事件”，講述日據時代下，霧社地區馬赫坡社因為不滿臺灣總督府與日據勢力壓迫和剝削而發起反抗。族長莫那魯道帶領族人循著祖靈之訓示，奪回屬於他們的獵場，最終一千多原住民在戰鬥與物資窘困中慘死。

除了涉及史實，影片對原住民的生存狀態也有細緻描寫。而他們對家園、地盤的極度保護、天生好勝善鬥、對祖訓生死觀的完全信仰，都讓並不瞭解臺灣歷史的人驚訝。魏德聖也表示，即使是臺灣人對“霧社事件”也只是一知半解，“臺灣人對歷史知道得太少，我希望《賽德克·巴萊》能給臺灣人上一次歷史課。”

馬赫坡社的族人與日軍殘殺的場面讓觀眾膽寒，魏德勝也坦言，這部電影最難拍的部分是表現原住民對日本人愛恨交織的感情：“日本人給他們帶來先進的技術，卻霸佔了他們的土地。有人贈你夜明珠，但是踐踏你的家園，你還能感謝他嗎？”他也表示，希望《賽德克·巴萊》“能給臺灣人的心靈療傷。”

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賽德克巴萊》遭冷場 嗜殺不能成就一部史詩片

事實上，儘管臺灣大部分人都知道“霧社事件”，但魏德聖表示，大多數人也只是聽過這4個字而已，除了學者之外，真正深入瞭解完整故事的人很少，因此通過此片展現原住民的史詩故事，成了他拍片的最初動機。

由於備受關注，《賽德克·巴萊》首映場門口圍滿了想要一睹為快的中國記者。不過，雖是位列華語片，《賽德克·巴萊》全片對白除了少數日本角色之外，幾乎全是臺灣地區原住民語言賽德克語。據悉，《賽德克·巴萊》原片全長達到驚人的4小時20分，此次威尼斯電影節播放的則是精簡版，在馬克·穆勒的建議下，魏德聖將該片的上下兩部《太陽旗》和《彩虹橋》壓縮成2小時30分的國際版，並將該版本起名為《賽德克·巴萊——彩虹戰士》。

不過，從昨日首映反應來看，《賽德克·巴萊》並未為華語片贏得頭彩。媒體場的觀眾都是各國多年沉浸電影領域的專業記者，按慣例，一部影片在他們心目中的好壞，只要靠“聽”就能判斷，掌聲越熱烈就說明越受歡迎，不過只要不是太差，多少都能得到禮貌性的掌聲。而《賽德克·巴萊》在放映過程中就不斷有記者起身離場，結束時更是只收穫寥寥幾下零星的鼓掌，可見該片並沒有在挑剔的專業記者心中得到太高分數。“整個故事太過冗長，雖然篇幅長能給導演很多發揮空間，但這同時也是一個限制。”有媒體評論表示，整整兩個半小時的故事冗長卻缺乏張力，過長的篇幅中只一味堆砌戰爭場面，卻忽視了講故事最關鍵的節奏，導致影片沉重拖遝。從劇情上，導演試圖探討野蠻、文明和殖民間的關係，卻又因為立場不明而導致價值觀混亂，同時，原本正邪分明的故事，卻因為對賽德克族過多的血腥殘忍描寫，減弱了反抗者一方的正義性。

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顯然，展現暴力美學是魏德聖在本片中的自我挑戰，不過，影片中過多的暴力鏡頭卻引來不少爭議，更讓人難以理解的是，戰爭尚未開始，婦女孩子們就聚集在樹下自盡，似乎讓人懷疑戰鬥的意義究竟何在。

對此，就連本片監製吳宇森也無法給出很好的解釋，只能將原因歸結于魏德聖只是力求表現賽德克族原本的部族文化特性，並將這場戰鬥的意義歸結為 “追求民族尊嚴”。而魏德聖的話似乎更能解釋片中大量殺戮和犧牲的原因：“賽德克族相信死後有一座彩虹橋，彩虹的盡頭有一個獵場，只有英勇的靈魂才能進入，因此這是一場求死的戰爭，他們追求的是死後的天空和靈魂的自由。”“彩虹美就美在每個顏色都是獨立的，而世界上最大的問題，就是顏色干擾顏色。”雖然是一部描述部族和部族、民族和民族之間殘酷鬥爭的電影，但魏德聖卻認為，他通過此片表達的是民族間消除仇恨的願望，所有的殘酷鏡頭都是一種提醒。

背負“史詩巨作”、“奪獅熱門”的沉重頭銜，中國臺灣導演魏德聖此度攜《賽德克·巴萊》參加威尼斯電影節，放出“入圍便是成功”的口號，興奮中不忘給自己減壓。事實證明，這份低調相當明智——作為最先亮相的華語參賽片，《賽德克·巴萊》昨日首映遭遇冷場，放映過程中不斷有記者起身離場，影片閉幕時更是只有寥寥幾下掌聲，與之前的《總統殺局》(原中文譯名《三月十五日》)全場雷鳴鼓掌的待遇大相徑庭。

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《賽德克巴萊》亮相水城 感性魏德聖引關注

當地時間9月1日，第68屆威尼斯電影節進入第二天的競賽日程，三部華語影片中的頭炮、臺灣新銳導演魏德聖的史詩新作《賽德克巴萊》在水城威尼斯舉行首映，監製吳宇森、導演魏德聖攜眾位主演出席發佈會，並走上了紅地毯，與媒體記者分享自己拍攝史詩大片的經歷。

吳宇森：感謝魏德聖讓我補習歷史

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在發佈會現場，身為《賽德克巴萊》監製的著名導演吳宇森暢談了自己與魏德聖共同製作這部影片的過程，並與大家分享了很多製作過程的往事。吳宇森表示，通過這部電影，他學習了不少關於臺灣歷史的知識，並瞭解到了獨特的原住民文化的內涵，讓人增長了不少的見識。而對於電影，吳宇森也給出了很高的評價，他認為魏德聖導演很好的掌握的原住民文化的精髓和脈絡，電影裡面不僅表現出了原住民在遭遇到困難時的堅韌一面，也將原住民生活的夢幻美麗一面出色地展現了出來，讓人十分動容。

魏德聖：原住民的信仰是最大的精神支柱

在採訪中，導演魏德聖表示自己其實對電影所表現的原住民體裁也不是很瞭解，只是從父輩的講述中瞭解到了一些知識，不過在後來研習了大量歷史材料之後，自己為原住民們的英勇和不屈所深深觸動，因而堅定了拍攝這部電影的決心，而展現原住民們對自己信仰的忠貞，就是他拍攝這部電影最重要的精神動力。

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賽德克巴萊》“剪”太多 魏德聖致歉徐若瑄

2個半小時的國際剪輯版顯然讓魏德聖意猶未盡。雖然整個故事還算完整，但顯然很多鋪墊細節都被剪刀“犧牲”，連魏德聖都承認：“整個電影結束了，可能有的觀眾還不知道他是誰。”尤其是徐若瑄在片中加起來不到1分鐘鏡頭的“打醬油”表現，更讓魏德聖在影片放映當晚向徐若瑄公開道歉。

記者：國際剪輯版是不是對整部影片有很大傷害？

魏德聖：還是會有一些。畢竟4個半小時剪成2個半小時，對人物的一些描寫和一些意念上傳達的東西都必須拿掉，來遷就故事。雖然劇情上完整了，但真的就只有講故事而已，要傳達的那些原住民精神方面的東西，都沒辦法描寫得更深刻，所以觀眾會覺得人物的結局看到了，可是這個人是誰？

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魏德聖：很多徐若瑄的戲就被剪掉了，雖然看起來好像不重要，但它是在傳達一種一個族群自殺式行為之後還是考慮到延續的問題。還有一幕是溫嵐被救起來後，看到很多族人的女生被收容在收容所裡面，徐若瑄抱著越來越大的肚子站在那裡，其實那些畫面都沒有什麼對白，但觀眾就可以感受到，那些活著的人他們的工作是什麼？他們為什麼要這樣活？很多畫面看起來是沒有劇情的，可是它是有意義的。
魏德聖：對，就是真的很抱歉。其實我也很痛啊，完整版本來女生的戲就不多了，然後又被刪掉更多，對演員真的很抱歉，包括徐若瑄、溫嵐，我把她們安排在這些角色不是沒有目的，一定有很重要的功能性，在催化一些情緒，但被拿掉很多。

《切·格瓦拉》的餘音尚未散去，張廣天又推出了他的新作《魯迅先生》。張廣天本來從事音樂創作，曾經為幾個頗有影響的小劇場話劇作曲，由於擔任引起廣泛爭論的“史詩劇”《切·格瓦拉》的導演，引起此前從未獲得過的社會關注，此次挾《切·格瓦拉》的聲勢，再次涉足擔任戲劇編導並直接登場。或者是因為不能忘情，或者是希望承接其票房余澤，這部新戲試圖延續他自詡的《切·格瓦拉》的“史詩”風格，因之稱其為“民謠清唱史詩劇”。音樂語法製造機,黏黏黏黏音樂語法,fiction音樂語法

雖然該劇北京首演遠不如《切·格瓦拉》那樣成功，卻也有一些外地劇院前來邀約。我相信紛紛的邀約主要是衝著《魯迅先生》的市場前景而不是它的藝術內涵的，畢竟這樣的劇目可以生髮出許多炒作的素材。比如“民謠”云云，我以為就是一個為炒作而創造的辭匯，我總是時時感到戲裡所寫的魯迅，與文革期間余秋雨參加的那個寫作組筆下的魯迅頗為接近，假如出現在那個年代，實在應該稱之為“官謠”。至於這是不是一場“戲劇”，觀眾並不一定會去細細分辨，有媒體稱之為一場音樂會，恐怕確實比稱它戲劇更符合實情。

《魯迅先生》的主體是音樂，包括音樂性的說唱。我不想深究它的音樂說了什麼-- 它說的是魯迅，至於究竟是文革年代余秋雨筆下的魯迅還是其它人的魯迅，還是由魯迅專家們以及觀眾去判斷吧--我更感興趣的是它怎麼說，換言之，我感興趣的是《魯迅先生》如何運用音樂手段，它的音樂所使用的音樂語法。在舞台上，張廣天運用了多種中西樂器，錯落有致地排開，這樣的中西合璧令我們想起“樣板戲” 時代因音樂革命而誕生的混血交響樂隊。更重要的是，不知有意還是無意--我猜多半是有意的--其中散見的幾件本土樂​​器，幾乎全被用於表現漫畫化了的“反派”角色，全劇裡只有一個場合是例外，在魯迅和許廣平提及想去“南方”時有一小段笛子獨奏，我以為這段笛子獨奏是張廣天音樂語言的小小失誤，或許是由於他實在想不起還有什麼樂器能更好地表現南方和春天。通過這樣的音樂手法，張廣天將魯迅的所有對立面通通加以無節制的醜化，而他所用以醜化這些"反派"角色的音樂，有意取自京韻大鼓、數來寶和山東快書等本土曲藝。這多種多樣的本土說唱藝術被張廣天安排給魯迅的讀者們熟知的楊蔭榆，以及四位分別被稱之為文壇魑、魅、魍、魎的角色，讓他們在劇中用曲藝為工具“圍攻”魯迅，其意不言自明。與之相對，魯迅和圍繞著魯迅的正面人物們則用的是一水的西洋樂器；以及交響樂演奏時常用的歌隊，西裝革履。不同的樂器和不同風格的音樂用於表現不同的人物，壁壘分明，足以表示張廣天的音樂取向。音樂語法製造機,黏黏黏黏音樂語法,fiction音樂語法

至於全劇的核心魯迅，則由按照三突出原則眾星拱月般端坐舞台正中的張廣天扮演，他抱著吉他從頭至尾敲著單調的和弦，從魯迅著作裡單挑出一些近乎“辱罵與恐嚇”的文句，裝飾以模仿羅大佑風格卻沒有羅大佑音樂的現實洞察力的低沉旋律。假如以此來塑造魯迅的音樂形象，我真忍不住要掉書袋說句“吾不知其可也”。我也不能為難張廣天，說是如此單調的音樂與豐富的魯迅相去甚遠，但我不得不說以吉他作為塑造魯迅形象的主樂器，頗讓人感到不倫不類。我以為按照魯迅的性格，二胡倒是更近乎他，魯迅的人與文，既有淒厲尖刻的一面又有低沉哀怨的一面。但是想必張廣天不會願意讓二胡擔當魯迅的主音色，我倒不光光是小看張廣天拉二胡的功夫，我是覺得假如換一位二胡高手扮演魯迅，怕是架不住一左一右兩位女生崇敬而又迷茫、癡情而又飄忽的眼神；更何況按照前述《魯迅先生》的音樂語法，在張廣天心目中，二胡這類中國樂器也不配用來為魯迅代言。